La mirada de Simon Frith sobre la crítica de rock

La crítica del rock siempre depende de algún miro: el miro de la comunidad juvenil, el miro del artista creador. La realidad es que el rock, como toda la música popular del siglo XX es una forma comercial, es música producida como mercancía -para sacar provecho de ella que se distribuye a través de los medios de comunicación como cultura de masas. En la práctica es muy difícil decir exactamente quién o qué es lo que el rock expresa, o quiénes son desde el punto de vista de los fans- los  intérpretes auténticamente creativos. El mito de la autenticidad, además, es una de las consecuencias ideológicas propias del rock, un aspecto más de su proceso de venta: las estrellas del rock pueden ser comercializadas como artistas y su sonido particular como un referente de identidad.
La crítica de rock es un medio de legitimar gustos justificando los juicios de valor, pero en realidad no explica cómo se formulan esos juicios. Si la música no se crea en realidad según un relato de «autenticidad», entonces debemos preguntarnos cómo somos capaces de juzgar algunos sonidos como mas auténticos que otros: ¿qué es lo que escuchamos realmente para formular nuestros juicios?

¿Cómo sabemos que Bruce Springsteen es mas auténtico que Duran Duran, cuando los dos están grabando discos según las reglas del mismo complejo industrial? ¿Cómo reconocemos la buena música en géneros distintos del rock, en las formas de pop o de música disco que no se definen en términos de autenticidad? Seguimos sin poder despejar la incógnita del valor en la música popular.(Sobre el "valor" de la música popular. Del libro "Ritos de la interpretación"). 

Señoras y señores:

Formalmente hoy empecé a escribir mi libro... vamos a ver cuanto demora el proyecto...

Quién le debe a quién??

Ayer estuve en la Feria del Libro y me traje "De la cultura rock" de Claude Chastagner... en el ensayo hace un análisis muy interesante respecto al tema de como los paises periféricos absorbieron la música rock en sus comienzos, sosteniendo que también hay una "influencia inversa" que recibió el hegemónico rock anglosajón.

Entre otros:

• El gusto de los norteamericanos por la música mariachi (Linda Rondstadt y sus influencias mexicanas pasaron por ahi), el swing de los pachucos, por el jazz latino y la salsa, por el rock en español de Ritchie Valens, Malo, Carlos Santana o Los Lobos. El pop de Shakira, Marc Anthony o Ricky Martin. 
• "La mayoria de los musicólogos o de los historiadores anteponen las raices afroamericanas del rock, el aporte del blues o la proximidad con algunas formas de jazz. Olvidan simplemente que antes de llegar al continente americano, las formas musicales africanas, y en primer lugar, transitaron por el caribe, donde se mezclaron con las tradiciones hispánicas. Por otra parte, tanto el contexto musical de los jóvenes rockeros blancos como el de los rockeros negros de los años cincuenta es el de las rumbas y los boleros que amaron los Estados Unidos de sus padres..."
•   "son justamente las culturas afrolatinas, afrocubanas en particular las que, desde los primeros tiempos, estructuran el rock y le ofrecen las rítmicas, la instrumentación y las progresiones armónicas gracias a las cuales va a conquistar al mundo..."
• "...el boogie-woogie de Little Richard, Fats Domino o Jerry Lee Lewis, viene directamente de Nueva Orleans, ciudad crisol si las hay, donde se mezclan las culturas africanas, francesas, caribeñas, españolas, anglosajonas y germánicas, provocando un mestizaje de donde saldrán numerosas formas musicales que van del jazz al funk..."
• "esta hibridación explica que la rítmica boogie-woogie de hecho no sea otra cosa que versión pianistica de los ritmos cruzados del tumbao propios de la música afrocubana y habitualmente ejecutada por las congas y la tumbadora. Para darse cuenta de esto basta con escuchar "Whole lotta shakin' goin' on" de Jerry Lee Lewis (1957) o "What'd I say" de Ray Charles (1959), en particular la interacción entre el piano y la bateria..."

La sigo en la semana

Se fue Paul Williams, el fundador de Crawdaddy! y nos dejó esto...

"Usted está mirando el primer número de una revista de crítica de rock and roll. Crawdaddy! no incluirá pinups ni noticias breves; la especialidad de este magazine es la escritura inteligente sobre música pop. Billboard, Cash Box, etc, sirven muy bien como revistas especializadas; pero su concepto de reseña es pensar en una canción como "un número de ritmo de alto dinamismo que asciende en los charts como por un tobogan". Y las revistas de adolescentes se dedican al rock and roll, pero su idea de discusión es una cadena de superlativos por debajo de una fotografía desplegable. Crawdaddy! cree que alguien en los Estados Unidos podría estar interesado ​​en lo que los demás podrían tener que decir acerca de la música que le gusta".

Este fue parte del editorial del número uno de la primera revista norteamericana dedicada integramente al pop y al rock. La semana pasada Williams falleció y me pareció interesante rescatar algunas de sus ideas y pensamientos. Lo más importante que aportó al periodismo de rock fue su entusiasmo por comenzar a escucharlo como una "nueva experiencia". Distingue a la crítica musical de la escritura sobre rock y le da un sentido calificado.

Por ese entonces los periodistas de rock, eran más bien entendidos primeramente como fans. Entonces en algún punto y a diferencia de sus colegas británicos, que venían de otras áreas del periodismo y ya eran profesionales instalados en los distintos medios, la mirada de Williams sobre el rock era algo asi como la de un "escritor-fan". Fue el que sentó el concepto, hasta ese momento bastante vilipendiado, del rock como forma de "arte", ligada a la contracultura y al anti establishment.

La primera edición de la revista salió a la calle en 1966 y pasó por tres períodos, el inicial que duró hasta 1979, cuando Williams dejó de ser el editor en jefe. La segunda etapa estuvo en manos de Peter Knobler, quién se hizo cargo de la publicación hasta 1993, año en que Williams retomaría la dirección de la revista, hasta que decidió venderla a Wolfgang Vault, un sitio de internet en 2006.

Williams nació en Boston, Massachussets en 1948. Ya en los sesenta, comenzó a pensar en la posibilidad de generar una revista de ciencia ficción, que lo catapultara a su fin último: crear un magazine de crítica musical. Si bien participaba en la escena folk de ese estado, cerca del año 1965 las cosas cambiaron para él.

"En la escuela secundaria, empecé a escuchar a The Rolling Stones, Kinks, Beatles, etc. Al final de ese año estaba bien metido en esa música que todos estábamos descubriendo... se me ocurrió empezar a editar la primera revista americana de rock cuando ya iba al primer año de la universidad. Era el momento justo para hacerlo, y si yo no lo hubiera hecho, alguien más lo habría llevado adelante".

Tanto fue el interés de Williams en el periodismo de rock que terminó abandonando la universidad y dedicándose a esa tarea a tiempo completo. Muchos de sus ensayos y notas fueron recopilados en libros (lamentablemente sin edición en español). Quizás lo más importante del legado de Williams se vincula a la idea del rock como experiencia social, como asi también a la comprensión del género desde un punto de vista serio. Su aversión a pertenecer al circuito de revistas "de la industria" y su fuerte convicción de que no se podía asociar el valor de la cultura popular con las cifras de ventas de discos lo distinguió de muchos de sus colegas.  

Sontag ayudando a pensar en muchas cosas...

Algunos razonamientos de Susan Sontag en "Contra la interpretación" y a propósito de comenzar a pensar el periodismo y la crítica de rock desde algun lugar un poco más crítico...


1.Contra la interpretación
      El contenido de una obra es un atisbo de algo, un encuentro como un fogonazo. Es algo minúsculo (W. de Kooning).
EL misterio del  mundo es lo visible, no lo invisible (O. Wilde).
El arte fue un instrumento del ritual. La primera teoría del arte (la de los griegos) proponía que el arte era mimesis (en el sentido de imitación de la realidad – de los modos de hacer). La teoría era un reto justificativo y valorativo. Para Platón todo es copia, solo que la copia artística es inútil porque es copia de copia.
Para Aristóteles el arte tiene utilidad terapéutica (al menos) ya que purga de emociones peligrosas.
Para Platón y Aristóteles la presunción mimética supone que el arte es siempre figurativo (narrativo o ilustrativo de una narración). Los defensores de lo mimético pasan por alto el arte decorativo abstracto (geométrico). La gran reflexión occidental sobre el arte nunca ha abandonado el entendimiento del arte como representación.
Dice Sontag que el concepto de representación lleva a diferenciar lo que llamamos contenido de lo que llamamos forma (contenido         narración; forma         figuración narrativa).
En tiempos modernos se ha des..... la teoría del arte como representación en favor de la teoría del arte como expresión subjetiva. Sin embargo permiten rasgos de la teoría mimética. Como el contenido que permite aunque ahora sea menos figurativo. Se sigue pensando que una obra de arte dice algo.
Hay que defender el arte.. Abusar de la idea de contenido comporta un proyecto,  nunca consumado, de interpretación. Pensar que una obra puede ser interpretada es estar seguro de que la obra tiene algo asimilable al contenido.
Nietzsche dice. No hay hechos, solo interpretaciones.
Interpretar algo es suponer que ese algo tiene sentido, que cabe en una explicación causada, motivada (con contenido). Interpretar supone usar ciertas reglas de interpretación.
La interpretación aplicada al arte supone descomponer la obra en elementos (analítica) y luego dar sentido (significado) a cada uno de ellos y a su orden de presentación.
La interpretación aparece para dar sentido a antiguos textos (míticos y post míticos) dentro de “modernas” exigencias. (Filón de Alejandría interpretó la Biblia).
El interprete de un texto lo altera aunque no pueda admitirlo.
  
Un texto que “hoy” no tiene sentido puede que nunca lo tuviera o que aquel sentido “hoy” parece un sinsentido.

Interpretar un texto es traerlo a una cierta actualidad explicativa de sentido.
Las doctrinas de Marx y Freud con sistemas hermeneúticos perfeccionados, agresivas teorías de interpretación. Freud dice que todos los fenómenos observables son contenidos manifiestos (manifestaciones de ciertos contenidos latentes) de otros acontecimientos.
Comprender es interpretar.
E interpretar es explicar la compresión. La interpretación siempre es parcial y siempre es un acto liberador de la pesadez de una obra.

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Hoy la actitud interpretativa es asfixiante. Hoy la interpretación es la venganza que se toma el intelecto frente al arte (frente al mundo sensorializado). Interpretar es reducir el mundo. Es convertir el mundo en este mundo (es indicar el mundo, negándolo radicalmente, alejándolo indeterminadamente).
Hoy la interpretación es la negativa a dejar sola a una obra de arte. Porque el arte tiene el poder de ponernos nerviosos. Al reducir la obra a su contenido parece que la domesticamos.
Hay una interpretación para  ........ de la obra (crítica) y otra (a veces inefable) para estimularle por la misma obra. Esta interpretación, la que busca el artista afectado por otras obras, no reduce, subraya, enfatiza, ....., también destroza la obra de referencia, pero con el objeto de la autoestimulación (autopoiesis) (autoficción).
La critica literaria intenta reducir el poema a una narración pornográfica, Hay autores que indican su autointerpretación de sus obras (Mann). Kafka ha sido acechado por ejércitos de intérpretes (leído como alegoría social, ---- , religiosa, política...)
La interpretación es la manera moderna de comprender algo (¿sólo moderna?)
Hay que ...... a interpretar el arte.
Para evitar la interpretación el arte puede llegar a ser parodia, o ser abstracto (no representativo), o decorativo, o ser no arte.
El arte busca la huída de la interpretación (pintura no representativa, cadáver exquisito, escritura automática, ready-made...etc.) (ver Perinola). (La obviedad de  lo real).
La poesía moderna (mal llamada simbolista) ha intentado escapar de la interpretación de contenidos.
Sin interpretar contenidos se pueden interpretar actos encadenados, movimientos indiscutibles, sucesiones, ........ la interpretación se ajusta a la comprensión de los procesos a la interpretación directa de la forma, entendiendo el arte como acción desencadenada y autorregulada.
La distinción entre forma y contenido sostenida por la interpretación es pura fantasía. (Es pura ontología) Pero la reducción de la obra a presencia cosificada, directa y cuidada deja al arte sin sombra.
Las películas son difíciles de interpretar porque con cadáveres exquisitos sin fundamento para la atribución de sentidos responsables.

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Sontag se pregunta en 1964 como debería de ser una crítica que sirviera a la obra de arte sin usurpar su espacio.
Dice que lo que se necesita es un vocabulario mas que prescrptivo, descriptivo de las formas (las operaciones que forman) e indica como validos los esfuerzos de: I. Panofsky, Nort... Grye, Pierre Francastel, Ronald Barthes, Averbach, Benjamín y Leskow.

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Hoy el valor mas alto es el arte y la crítica es la transparencia (ver Clavino). Transparencia quiere decir experimentar la luminosidad del objeto en sí, de las cosas tal como son. (obras cinematográficas).
La función de la crítica debería de c........ en mostrar cómo es lo que es, incluso que es lo que es, y no en mostrar que significa.
En lugar de una hermenéutica, necesitamos una erótica del arte.
2. Sobre el estilo
Hoy todos sostienen que estilo y contenido son inseparables y que el estilo es un aspecto orgánico de las obras. Sin embargo es todavía común leer sobre “estilos burdos o sin pulir” a pesar de que las obras que los muestran son buenas. Whitman dice (en 1959) que :”el mejor poeta tiende a preocuparse menos por el estilo que por ser un libre canal para el mismo”.
Lo que R. Barthes llama grado cero de la escritura resulta (por antimetafórico y deshumanizado) tan elaborado y artificial como cualquier estilo tradicional de escritura. La noción de arte transparente, sin estilo, (sin maneras?) es una tenaz fantasía de la cultura moderna.
Puede verse así el grado cero como un estilo de contención que es al tiempo, un acicate heurístico para revolucionar un arte, llevándolo a su pureza mas sofisticada. El grado cero como reacción radical al final de un ciclo.
Esto es una manera de nombrar la totalidad de una obra de arte. (las totalidades solo se dejan atrapar metafóricamente).
Whitman confunde estilo con decoración (metáfora infeliz) las metáforas del estilo identifican este con forma versus contenido. Hoy se ve al revés. (Barthes, Oteiza...) la materia, el tema, está en el exterior, el estilo en el interior. 
Cocteau: El estilo es el alma y por desgracia, el alma asume la forma del cuerpo.
Nuestra manera de expresarnos es nuestra manera de ser.
Estilo es forma de movimiento, ademán encadenado, espontáneo, de la expresión .
No existen obras sin estilo, sino, solamente obras de arte pertenecientes a tradiciones y concepciones estilísticas diferentes, más o menos complejas.
El estilo es el hábito, el modo de desenvolverse. Desenvoltura        estilo.
El Estilo tiene significado histórico, tener estilo es poner en crisis los antiguos conceptos de verdad, de rectitud moral, incluso de naturalidad.
El realismo se entenderá como una convención estilística.
Los movimientos artística tiene un estilo (subrayan un estilo).
Propongo distinguir entre estilización y estilo.
Estilización es lo que está presente en una obra cuando el artista distingue entre tema (materia) y forma (manera). Se estiliza cuando se repiten temas.
El cubismo o Gracometti no son estilizaciones.
La estilización es ambivalencia respecto del tema, que se trata retóricamente.
Estilización es retórica envolvente del tema, que es el contenido?
Los críticos tratan el arte como su las obras fueran declaraciones.
Algunos entienden el arte como contestación a una pregunta (como afirmación). La crítica desde Diderot apoyándose en criterios de apariencia (como la verosimilitud y la corrección moral) trata la obra de arte como una afirmación hecha en la forma de una obra de arte.
 Pero hoy se sostiene que la obra de arte es una experiencia, no una afirmación ni la respuesta a una pregunta.
Una obra de arte es una cosas en el mundo y no solo un comentario sobre el mundo.
El arte da lugar a algo parecido a una emoción, un compromiso, el juicio en un estado de esclavitud o cautiverio. El arte nos indica estilos de conocer las cosas en sí mismas.
Es estilo es la expresividad y la expresividad precede al contenido.
El arte es seducción no violación.
Arte – imperiosidad. (--ver).
Los críticos que ven la obra de arte como afirmación desconfían del estilo (aunque rindan tributo de boquilla a la imaginación). Obran así por pasión. Una pasión que consiste en proteger y defender valores tradicionales concebidos como externos al arte (verdad, moralidad).
No hay respuestas puramente estéticas ante las obras de arte.
Ortega y Gasset (La deshumanización del arte) dice que el placer estético es un estado mental indiferenciable de la respuesta a otros estímulos. (Ver Ortega).
La moralidad es un tipo habitual o ...... de comportamiento.
La moralidad es un código de actos de juicios y sentimientos por el que reforzamos nuestro hábito de actuar de un modo determinado que prescribe unas normas de comportamiento para con otros seres humanos en general, como si nos guiara el amor.
Moralidad – es una forma de actuar.
Experiencia estética – es una forma de ....... (matizar) la conciencia.
En el arte el contenido es el pretexto, el señuelo que compromete la conciencia en procesos de transformación esencialmente formales (expresivos).
La obra de arte no puede abogar por nada en absoluto. El gran arte alcanza una neutralidad sublime.
El interés de Genet reside en la manera que el contenido queda aniquilado por la serenidad y la inteligencia de su imaginación.
Aprobar o desaprobar moralmente lo que dice una obra es tan extravagante como excitante sexualmente por ella.
Todo gran arte induce a la contemplación dinámica.
El mundo es estético por qie, en último extremo, no puede ser justificado.
El arte no es un auxiliar de la verdad.
Si el arte es algo, es todo.
R. Bayer: “Toda obra de arte encarna un principio de ........, de detención, de exploración; una imagen de energía o de relajación, la impronta de una mano que acaricia o que destruye y que es solo del artista”.
Una obra de arte es un tipo de demostración, o plasmación, o testimonio que da forma palpable a la conciencia; su objetivo es tornar explícito algo singular.
La moralidad se justifica por su utilidad. La obra de arte está para hacernos ver algo singular, no para juzgar o generalizar.
Toda obra de arte nos da la memoria esquematizada y desinteresada de una ..... (R. Bager).
Nietzsche: El arte no es una imitación de la naturaleza, sino su complemento metafísico, alzado junto a ella para poder superarla.
Toda obra de arte se basa en una cierta distancia de la realidad vivida que encarna.
La obra debe de restringir los sentimientos y las emociones que son funciones de acercamiento. El estilo de la obra es la manipulación de esa distancia. El estilo (la distancia) es el arte.
La obra de arte es ante todo, un objeto y no una imitación.
Todo arte ...... está fundado en la distancia, en la artificialidad, en el estilo en lo que Ortega llama deshumanización. Distanciarle del mundo es acercarle a él como exterioridad (o como ...... ¿).
Forma = estilo.
Valery, lo que para los demás es forma, para mí es contenido.
El arte es la objetivación de la voluntad en una realización (formación). También es la incitación o estímulo de la voluntad para realizar. Desde el espectador el arte es la creación de un decorado imaginario para la voluntad.
Jean Starobinski (La invención de la libertad). El arte es un modo de señalar las emociones (de nombrarlas). Las emociones así nombradas, son virtualmente inventadas y promulgadas por el arte.
El estilo es el principio de decisión en una obra (la seña de la voluntad del artistas).
El estilo tiene elementos de arbitrariedad. Si el arte es el supremo juego jugado por la voluntad consigo misma, el estilo convierte en el conjunto de reglas con arreglo a las  cuales se participa en él.
     Arte-juego entre la imaginación y la voluntad expresiva. Estilo – expresión, modo de la expresión, que es modo de formación, ritual de ejecución.
Aristóteles señaló que el arte da argumentaciones. Este equívoco ha seguido hasta hoy.
El sentido de inevitabilidad que una obra de arte proyecta no está compuesto por la mentabilidad de sus partes (que son arbitrarias) sino por el todo.
El estilo de un artista no es otra cosa que el idioma en que despliega las formas de su arte (el mundo y los elementos en que forma su forma – su arte).
Cole.... y Valery. Las formas (formación) preservan el flujo del hacer contra el olvido. Por eso son formas de la memoria (rememoración) el ritmo, la rima, la ......, etc.
Valery “la forma de un obra es la suma de sus características perceptibles cuya acción .... obliga al reconocimiento. Gertrude Stein (Melanctha).
Todo estilo es un medio para insistir sobre algo.
Una obra de arte ha de ser entendida como una cierta manipulación de lo inefable..